DECO-MAGAZINE
El hermoso paisaje natural del Baix Empordà, en Gerona, inspira el interiorismo de Can Pardalet, un antiguo establo del pueblo de Rupià reconvertido en vivienda. La iglesia gótica, el casco antiguo de piedra y los campos infinitos que tanto conmovieron al gran escritor Josep Pla conforman el entorno de esta masía reformada por Sandra Tarruella Interioristas.
Foto Cris Güell
Foto Marc Morera
La famosa interiorista catalana ha dejado su huella en un proyecto donde reina la tranquilidad, la luz natural y las inmejorables vistas. Tarruella ha querido preservar la esencia de la construcción original, adaptándola a los tiempos modernos sin perder su esencia rural. Por ello, la reforma ha supuesto todo un reto, dado el estado en el que se encontraba.
Foto Marc Morera
Se optó por derribar los muros principales y abrir el espacio del salón a doble altura. De esta manera, se potenció la entrada de luz y la sensación de amplitud. Las superficies de cal, en blanco y arena, aportan un aire campestre y acogedor a la vivienda.
El techo se ha revestido de cañas entrelazadas en diagonal, gracias a la colaboración con una empresa especializada en fibras naturales y técnicas artesanales. Este material, combinado con el parqué de roble con nudos naturales de la planta superior, potencia aún más este efecto rústico buscado por la interiorista.
Foto Marc Morera
Foto Marc Morera
El tratamiento del techo, con vigas y ladrillos encalados en color arena, al igual que las paredes, completa la serie de rasgos rurales y las grandes aberturas con vistas al jardín.
Foto Marc Morera
La elección del mobiliario sigue la misma línea. Encontramos sillas y pantallas de mimbre, combinadas con tejidos naturales, alfombras de yute y taburetes de madera natural. En el comedor, contiguo a la cocina, una gran mesa de roble claro acapara la atención. En la antigua ubicación del abrevadero para los animales, ahora hay un gran mueble alargado, que va de pared a pared. Todo aderezado con detalles decorativos de lo más auténticos, desde las lámparas Cesta y TMM de Miguel Milá para Santa & Cole, hasta sombreros de paja o la silla BKF de curo negra.
Foto Cris Güell
Foto Marc Morera
El jardín exterior es otra de las maravillas de Can Pardalet. Las bugambilias y la parra trepan por la pérgola de hierro y alambre, adosada a la fachada de la vivienda. La vegetación está en concordancia con el entorno: olivos, almendros y plantas salvajes. En la parte baja encontramos la piscina, tipo balsa de reboco a la cal y cerámica. Está tratada con sal y rodeada de nísperos y más olivos.
Foto Marc Morera
Foto Marc Morera
Can Pardalet es un pequeño oasis en el que evadirse un fin de semana. Está disponible para alquilar a través de reservas@canpardalet.com
Arena fina, agua cristalina, palmeras y monos y cocoteros… Un entorno perfecto para que cierres los ojos y te transportes a una isla paradisíaca. Así de sugerente es la propuesta que Maisons du Monde ha presentado en Casa Decor 2020. Un exótico espacio en el que la firma de mobiliario y decoración francesa se ha inspirado en la suite Zanzibar de su hotel Maisons du Monde & Suites en Nantes (Francia).
Este sofisticado tocador pudo verse en la edición Casa Decor 2020. The Berries Club’ reinterpreta el art déco y rinde homenaje al espíritu rebelde de las Flapper Girls, musas de los años 20.
La firma catalana de mobiliario KaveHome, con larga experiencia y especialista en venta online, participa en Casa Decor 2020 con un ambiente muy sugerente. El espacio Who’s not guilty es un loft que invita a reflexionar sobre el medio ambiente y se ha diseñado a tono con el lema de la edición de este año: la sostenibilidad en nuestras casas. read more
La firma barcelonesa Coton et Bois, con sedes en el barrio de Sarriá y también en Madrid, presentó por cuarto año consecutivo su nuevo espacio en Casa Decor. Su propuesta: un salón con un concepto innovador y respetuoso con el medio ambiente, un multiespacio llamado ”Paremos el tiempo”. read more
A lo largo de los años se han sucedido distintas mujeres que destacaron por su creatividad, y sus ideas visionarias en el campo del diseño y la arquitectura. A muchas de ellas no se les reconoció su obra como merecían. Por ello, en este post, queremos hacerles un pequeño homenaje y, cómo no, ¡hablar de diseño!
Te traemos 8 ejemplos de mujeres pioneras en diseño que dieron lugar a muchísimos avances en arquitectura y decoración, tal y como lo conocemos actualmente.
Eileen Gray (1878-1976) fue una mujer referente en el diseño y la arquitectura del siglo XX. Fue una de las primeras que se dedicó al diseño industrial, concretamente al diseño de muebles de madera lacada, que se convertiría en su seña de identidad. Aun así, era muy versátil y realizaba tanto diseños arquitectónicos como de mobiliario interior.
Poseía un estilo muy personal y definido por formas geométricas, materiales industriales como vidrio o acero e influencia de tendencias japonesas e ideales modernos. Algunas de sus piezas más famosas son el Sofá Bibendum o la Day Bed, que se encontrarían presentes en la casa que hizo para sí misma: E 1027.
Mostró su trabajo en la exposición de artes decorativas en 1913. Tuvo que hacerse un hueco en un mundo fundamentalmente de hombres, pero al fin obtuvo el reconocimiento que se merecía y sirvió de referencia clara a las generaciones posteriores desde el modernismo hasta la actualidad.
Casa E 1027 Eileen Gray
Durante toda su vida, Ray Eames formó un tándem creativo con su marido Charles Eames en el diseño de piezas. A pesar de su gran talento, siempre se mantuvo a su sombra.
Ray Eames se conoce por sus propuestas de mobiliario en madera contrachapada, con diseños ergonómicos, funcionales y estéticos. Sus ideas surgen un momento de gran convulsión social entre la Gran Depresión de los años 30 y la Segunda Guerra Mundial. Pronto se dieron cuenta del gran éxito pero la poca accesibilidad de sus diseños, y pasaron a utilizar materiales más económicos como metales o plásticos.
Esta arquitecta y diseñadora supo hacerse valer en una sociedad machista donde la mujer adquiría un papel de “la esposa de”, siendo reconocida por su talento y su esfuerzo.
Casa de Ray y Charles Eames
Aino Marsio Aalto vivió tras la estela de su marido Alvar Aalto y nunca se reconocieron sus grandísimas aportaciones en el mundo del mobiliario y el uso del vidrio. Fue diseñadora y arquitecta (1894-1949). Tras casarse con Alvar, se unió a su estudio en 1924. Poco a poco crearía un estilo propio con colecciones como la serie de cristal Bölgeblick, una de las más significativas de su carrera, y ganaría varios premios posteriormente, que confirman su gran validez como creadora.
Al igual que diseñó pequeñas piezas también se dedicó a la construcción de pequeños edificios. “La cocina mínima”, imagen de una vivienda moderna, representa la transformación del papel de la mujer en la sociedad.
De su asociación creativa con Alvar Aalto, participó en algunos de los proyectos más importantes atribuidos en un primer momento solo al arquitecto, donde ella diseñaría el mobiliario interior tanto de Villa Mairea 1937 y como del Sanatorio de Paimio 1933 entre otros. Aino ha influencia e inspirado colecciones de marcas referentes en decoración como Ikea.
Mobiliario interior de Villa Mairea
Colección vajilla de vidrio Bölgeblick
Denise Scott Brown fue arquitecta, urbanista, escritora y profesora. Creció en un ambiente racista al ser ella judía y estudiar en un colegio inglés. Se asoció con su marido, el famoso Robert Venturi, y juntos formarían el estudio Venturi-Scott Brown & Associates. Se convirtieron en dos de los nombres más influyentes tanto por su actividad como arquitectos como por sus enseñanzas teóricas (Aprendiendo en las Vegas, 1972).
Su estilo se basaba en encontrar arte en lo cotidiano y en lo que se ve -más que hacer lo que sus contemporáneos ya hacían-. Bajo este lema diseñaría edificios de muy diverso tipo.
En 1991 fue excluida del premio Pritzker (premio más prestigioso de la arquitectura). Este hecho abrió un profundo debate sobre la dificultad de las mujeres para alcanzar los mismos galardones que los hombres. Denise Scott Brown luchó toda su vida por el reconocimiento del papel de la mujer en el oficio. La polémica con la entrega del Pritzker provocó una movilización contra la discriminación de las mujeres en la arquitectura y el diseño.
Restauración Guild House
Lieb House
Lilly Reich (1885- 1947) es la figura olvidada de la postmodernidad. Se le vincula con el famoso arquitecto Mies Van de Rohe a nivel profesional y emocional.
Lilly era una mujer muy polifacética y en su obra encontramos desde diseño de mobiliario, textiles, interiorismo y arquitectura. Una artista completa cuyo mayor valor era la originalidad que caracterizaba sus diseños. Su estilo se puede vincular al estilo internacional de la Bauhaus, donde primaba la depuración de las formas.
Comenzó su carrera estudiando moda en Viena, y recibió clases de varios arquitectos de renombre. Finalmente acabó dedicándose al diseño de mobiliario. Aunque no estudió arquitectura, realizó trabajos directamente relacionados con ella, hasta crear su propio estudio (1924-1924). Su reconocimiento llegó al ser nombrada parte del consejo director de la Deutcher Werbund, movimiento precursor de la Bauhaus.
Pabellón de Barcelona junto con Mies van der Rohe
Charlotte Perriand es considerada como la precursora de la revolución en el diseño contemporáneo, enfocado a un nuevo modelo de vida. Se le conoce por sus diseños innovadores para almacenaje y mobiliario doméstico diario, y por el trabajo maestro con la madera.
Su objetivo era estandarizar la producción, huir de lo extravagante y potenciar lo funcional. Al ser un mal momento para este tipo de fabricación, finalmente Charlotte tuvo que dedicarse al diseño de piezas de lujo para clientes privados. Charlotte tenía una concepción del “crear” adelantada a su tiempo: diseñaba piezas adaptables e integrables en un contexto temporal mucho más avanzado.
Por otro lado, Charlotte es valorada porque consiguió derribar barreras de género gracias a su trabajo. Tras decirle Le Corbusier la mítica frase de “lo siento, aquí no bordamos cojines” cuando ella fue a buscar trabajo, poco después él mismo le pediría que se uniera al estudio por sus magníficas ideas.
Su obra más emblemática fue el Chaise Lounge LC4 para Cassinna. Su genialidad consistió en adaptar el minimalismo de sus referencias japonesas a su trabajo con las piezas de mobiliario.
Interior con mobiliario de Charlotte Perriand
Chaise Loung LC4 Chair
Dorothy Draper fue la primera mujer en profesionalizar el diseño de interiores, además del avance que suponía para la época que una mujer crease un negocio propio (1923). Su estilo defendía un barroco moderno, con combinaciones de colores muy osadas y vibrantes, diseños con yesos, molduras y marcos.
Diseñó textiles, establecimientos públicos y comerciales, oficinas… entre otras muchas tipologías. Podemos considerarla una artista tremendamente polifacética.
El año 2006 marcó un hito en la industria del diseño interior de América. Fue en ese año cuando se la dedicó una exposición retrospectiva de su legendaria obra y fue nombrada “Decana de la industria del diseño interior del siglo 20”, por el Museo de la Ciudad de Nueva York. Fue una mujer tremendamente emprendedora en una época en la que el puesto de la mujer se consideraba que era la cocina.
Vestíbulo con pavimento de damero característico
Zona común
Zaha Hadid ha sido una de las principales figuras de la arquitectura contemporánea a nivel internacional. Durante su vida combinó simultáneamente su labor como docente con sus proyectos arquitectónicos, donde fue conformando un estilo propio muy definido: volúmenes ligeros, formas angulosas y curvas y juegos de luz.
Realizó obras por todo el mundo: Estados Unidos, Alemania, Japón, Londres, Hong Kong…
En 2004, logró el premio Pritzker de arquitectura, primera mujer en conseguir tan importante galardón. Zaha, fallecida apenas 4 años, tuvo y sigue teniendo muchísima influencia en sus compañeros de profesión contemporáneos.
Complejo Galaxy Soho en Beijing
Aeropuerto de Beijing Daxing
Todas estas mujeres suponen una pieza clave del diseño y la arquitectura del siglo XX, y debemos darles la importancia y reconocimiento que se merecen.
En un mundo cada vez más digital donde el consumidor adquiere todo tipo de productos a golpe de click, el modelo tradicional de tienda física ha de reinventarse. Ante este escenario, el diseño se ha convertido, en cualquiera de sus facetas, en un fiel apoyo y una herramienta excepcional de comunicación y marketing. En este post te hablamos del diseño de espacios comerciales que triunfa y por qué el interiorismo se revela como un recurso muy potente que ayuda a captar la atención del consumidor.
¡No te lo pierdas!
Es indiscutible que la tendencia es que las empresas inviertan cada vez más en tecnología y diseño. Ya no es suficiente tener buen producto, es fundamental que éste tenga un algo más, una personalidad propia, y nos la transmita.
Ante la gran cantidad de información y contenido de todo tipo que consumimos diariamente, ya no es opcional que las marcas diseñen complejas y cuidadas estrategias con una narrativa coherente y atractiva. Las marcas y productos tienen que enamorarnos a primera vista, hacer que nos identifiquemos con ellas. Para eso, construyen historias que atraigan a nuevos clientes y fidelicen a los que ya lo son, que den que hablar al otro lado de la pantalla. Bien sea por el producto en sí o debido a momentos y experiencias únicas que el consumidor siente la necesidad de compartir. Espacios, historias y productos de deseo que sean “instagramables» y formen parte de nuestro día a día.
Un buen modelo de diseño para retail es Camper, líder desde hace unos años gracias al concepto Camper Lab. Una idea de exclusividad con proyectos de retail experimentales llevados a cabo por grandes nombres de la arquitectura y el diseño internacional, que no dejan indiferentes y donde se pone en valor la experiencia creativa y de impacto para los consumidores
Otras tendencias in crescendo son buscar que el consumidor se evada o potenciar experiencias puramente sensoriales, incorporando detalles que se pierden en una pantalla. Cada vez se juega más con el olor, el tacto etc…
En el lado contrario, volver a las raíces, a lo esencial, y poner en valor problemas que preocupan al público objetivo como pueden ser el respeto por el planeta o el consumo responsable, es también tendencia.
El objetivo es llamar la atención ante la gran competitividad actual.
Es indiscutible que son los puntos de venta tradicionales son el gran aliado del mercado digital. Un apoyo, que busca cautivarnos y darnos a conocer más el producto, las preocupaciones y valores de marca. Por mucho que la mayoría de consumo sea online, no podemos olvidar el impacto del face to face, la experiencia de compra física.
Con el e-commerce cada día el consumidor está más informado, sabe más lo que quiere y cómo lo quiere, por lo que va a tiro fijo, perdiendo parte del encanto que supone curiosear novedades y enamorarse de ellas.
El estudio de arquitectura AIM, aprovechó este “handicap” para el diseño de la tienda de cosmética Harmay en Hong Kong. Recurre al azar como innovadora forma expositiva con el fin de incentivar a los clientes a explorar sus productos creando nuevas necesidades. ¿Cómo? Invierte la forma tradicional de exposición de producto, inspirándose en un laboratorio de química donde todo el producto está escondido en cajones. La experiencia es una divertida búsqueda del tesoro
Otras marcas se siguen aprovechando del método tradicional de exposición para presentar su producto. Funciona muy bien presentarlo como auténticas obras de arte convirtiéndolo en el protagonista. Para este recurso los grandes ganadores son espacios austeros y minimals, al estilo galería de arte.
La marca de chocolotes ecológicos neoyorquinos Mast brothers lo han sabido llevar de lujo a sus tiendas. Un excelente ejercicio de cómo enfatizar los valores de marca y trasmitirlos al público. Sus tiendas físicas son el complemento decorativo en donde el protagonista es el propio producto, gracias a su cuidado packaging. Para hacer la experiencia más inmersiva, incorporan una visita en la que explican el proceso de producción así como una cata y un bar con bebidas de autor con su producto.
Está muy de moda el contacto con la cultura local y el respeto por el contexto.
Un buen ejemplo de ello es la casa australiana de cosmética de alto nivel Aesoap, comprometida con la sostenibilidad y la incorporación de componentes naturales y de primerísima calidad. Sus espacios comerciales se caracterizan por una impecable puesta en escena en perfecto equilibrio entre imagen de marca y el contexto en el que se encuentra.
De la mano de estudios de renombre en el mundo del diseño y la arquitectura el punto de partida siempre es el mismo: respetar el espacio existente y ahondar en su historia, buscando que converjan de forma natural elementos preexistentes y nuevos, consiguiendo espacios que hablen el lenguaje de su entorno sin resultar disonantes o invasivos.
Destacamos la reciente apertura de la marca en Amsterdam de la mano de Valentin Loellmann’s , donde encontramos una perfecta armonía entre los diseños de Loellmann’s y los elementos decorativos del edificio originales.
Otro de nuestros favoritos es el extravagante y caprichoso homenaje y a la vez ensayo de domesticidad de la tienda de Corso Magente en Milán, diseñada por el atrevido estudio Dimore Studio. Para este trabajo se inspiran en los revestimientos de las despensas italianas de los años 30 reinventados recurriendo a una paleta de colores con mucha personalidad (verdes, amarillos y rosas apagados)
Incorporan también sutiles guiños domésticos como son las butacas midcentury tapizadas y cortinas en los ventanales.
En la misma ciudad italiana pero en el bohemio barrio de Brera, entorno lleno de historia y vida, donde el architecto Vicenzo de Cotiis deja su sello de espacios industriales contemporáneos en una tienda situada en una antigua charcutería del siglo 19 donde el arquitecto recupera elementos originales.
Domina una paleta de tonos neutros y materiales de carácter artesanal que aportan serenidad contrastados con elementos asimétricos y toques más sofisticados al incorporar metales. Todo un guiño a la identidad industrial de la ciudad.
Se trata de ser creativos y buscar soluciones innovadoras que nos ayuden a destacar, independientemente de la envergadura de tu negocio. Nuestro tip es dejar fluir las ideas y cuidar los detalles. Y si necesitas, siempre te ayudaremos encantados.
Dejar el bullicio de la gran ciudad a veces es necesario y terapéutico. El esencialismo y la tan necesaria tendencia slow life están de moda. Nos referimos a esa exaltación de lo sencillo y a una mayor sensibilidad hacia ello, a ese cuidado y respeto por todo lo que nos hace sentir mejor, más auténticos.
No cabe duda de que Madrid es una de las capitales con más oferta de restauración y a la vez con más locales recónditos, que llevan el interiorismo a su extremo más innovador. En estos casos, todo cuenta, desde la gastronomía hasta la última pieza de mobiliario. ¡Pueden surgir combinaciones explosivas! La Borda del Mentidero es un ejemplo de ello.